Картинные рамы: тайные послания художников и секреты галеристов

Картинные рамы: тайные послания художников и секреты галеристов
14.03.2017

Как подбирали рамы к своим произведениям великие художники? Какое значение они придавали обрамлению своих картин? И существуют ли правила, по которым оформляют картины профессиональные галеристы и устроители выставок? Начнем, пожалуй, с рассказа о великих творцах далекого прошлого и современности.

Искусство, выходящее за рамки… картин. Истории обрамления шедевров

В искусстве с одинаковым успехом уживаются и картины без рамок, и рамки без картин, как самостоятельный арт-объект, и даже пустые пространства, которые тоже могут быть произведением искусства.

Вот, например, британец Тино Сегал успешно выставляет в самых престижных галереях мира свою… пустоту. А посетители выставки сами наполняют ее смыслами и содержанием. Мысленно.

Черный квадрат

Или взять, например, «Черный квадрат» Малевича – «просто» квадрат черного цвета на белом поле. Что это: картина без рамы, или рама без картины?Художник вложил тайный смысл не только в закрашенное черной краской пространство, но и в белый холст вокруг него. Трудно представить эту картину в обрамлении золоченого багета! Именно по этой причине ни одна картинная галерея мира не рискнула как-то изменить первоначальный замысел Малевича, выставляя его «Черные квадраты» (а их художник написал несколько) как есть, в виде оригинального холста без рамы.

Мадонна Конестабиле

Иногда художник создает раму одновременно с картиной. За пять столетий до «Черного квадрата» юный Рафаэль Санти в далекой Италии написал картину «Мадонна Конестабиле». Поскольку художник писал это полотно на досках, он сразу заключил свое произведение в раму с особым узором гротесками. Оттенки колера и позолоты рамы поддерживают цветовую гамму портрета: голубой цвет того же оттенка, что и покрывало Мадонны, а золотистый – как солнечные блики в волосах младенца. 

Аранжировка в сером и черном. Мать художника

Американский живописец Джеймс Макнейл Уистлер, живший в XIX веке, также самостоятельно создал раму к своей картине «Аранжировка в сером и черном. Мать художника». Портрет написан в строгой, лаконичной манере, и художник счел нужным подчеркнуть отделкой рамы те детали, которые на картине не столь заметны – например, обручальное кольцо на руке матери имеет в точности тот оттенок, что и позолота рамы. Полотно вошло в историю под названием «Мать Уистлера», и стало впоследствии одним из самых узнаваемых портретов, наряду с «Джокондой» Да Винчи и «Криком» Мунка.

Густав Климт

Но не все художники столь решительны в выборе изобразительных средств. Густав Климт в поисках ответа на вопрос, что важнее: форма или содержание, то вписывал картину в уже готовую раму, то запрещал обрамлять некоторые свои произведения. Художник считал, что живописное полотно должно перетекать в окружающее пространство, сливаясь с действительностью.

Василий Верещагин

Русский художник Василий Верещагин создавал тематические серии картин, и к каждой из таких серий он лично заказывал рамы, объединенные общим стилем и техникой отделки.

Художник полагал, что рама не ограничивает пространство картины, а дополняет ее содержание.

портрет датского скульптора Б. Торвальдсена

Еще один русский художник Орест Кипренский, посчитав, что написанный им портрет датского скульптора Б. Торвальдсена получился слишком скромным, потратил немало времени на поиск достойной рамы к своему произведению. Кипренский даже посвятил поиску этой рамы поездку в Италию, откуда и привез роскошный образец итальянской рамовой резьбы. Художник удовлетворенно отметил: «Богатейшая, на старинный манер рама весьма приличный делает вид картине». 

Святое семейство

История живописи знает и такие картины, выбор рамы для которых затягивался на долгие годы, а порой на столетия. Так, знаменитый скульптор Микеланджело Буонаротти написал легендарное «Святое семейство» в самом начале XVI века, а раму для этого произведения смогли подобрать лишь полтора века спустя, в конце XVII века. 

Все потому, что Микеланджело, как скульптор, придавал фигурам на полотне объем и особую «мраморную» фактуру. Подобные «живописные статуи» в любой раме становились плоскими и невыразительными. И только резная рама (автор которой неизвестен ) с выпуклыми барельефами смогла уравновесить уникальную объемную живопись.

Эрцгерцог Леопольд Вильгельм в своей галерее в Брюсселе

Порой картины в рамах сами становились объектом изображения. Картины, вписанные в картины – любимый прием нидерландских художников XVI-XVII веков. Пожалуй, квинтэссенцией такого художественного приема можно назвать полотно «Эрцгерцог Леопольд Вильгельм в своей галерее в Брюсселе» Давида Тенирса Младшего. 

image10_resize.png

А вот на полотне знаменитого художника XV века Яна ван Эйка «Чета Арнольфини» рама зеркала на стене содержит тайные знаки и символы, значение которых до сих пор до конца не расшифровано.

Символизм, доведенный до крайнего предела (и зачастую выходящий за границы хорошего вкуса), демонстрирует стиль рококо. Рококо – это апофеоз рамок, рамочек, обрамлений и декоративных элементов, за которым напрочь теряется сама картина. Вот уж где по-настоящему форма властвует над содержанием! Недаром именно стиль рококо выбирал для оформления своих фантастических замков безумный и несчастный «сказочный король» Людвиг II Баварский. Рококо – это апофеоз рамок, рамочек, обрамлений и декоративных элементов

Интересные факты

  • Историк искусства Пол Митчелл в своей книге «Краткая история рамы» утверждает, что первые рамы появились в 3-4 тысячелетии до н.э. в виде надгробных плит.

  • Ведущие аукционы мира (Sotheby’s, Christie’s, Bonhams, Eve) регулярно выставляют в качестве лотов не картины, а антикварные рамы. Стоимость некоторых рам доходит до полумиллиона долларов.

  • Петр I обязывал придворных покупать картины в пышно декорированных рамах и украшать ими свои дома. Царь плохо разбирался в живописи, но очень ценил парадность и роскошь резных рам. Поэтому иногда Петр I лично посещал особняки русских вельмож, проверяя, достаточно ли резьбы и позолоты в оформлении картин.

  • Знаменитая «Троица» Андрея Рублева хранится в Третьяковской галерее, а золотые рама и оклад к этой иконе – в Сергиево-Посадском музее.

  • Итальянские мастера использовали для изготовления картинных рам дуб, палисандр и вишню, а русские мастера – липу и сосну.

  • В Эрмитаже существует особая должность – «хранитель художественных рам». В его обязанности входит ежедневно осматривать рамы во всех залах огромного музея, вовремя отправляя их на реставрацию.

Секреты галеристов: правила выбора рам для домашней экспозиции

Гениальные художники и эксцентричные коллекционеры могут позволить себе роскошь действовать не по правилам, свободно решая творческие задачи. Специфика же личной коллекции памятных домашних фото, пейзажных акварелей или искусных вышивок диктует свои правила – простые и понятные. Обратимся за советом к тем, кто профессионально занимается выставками. Самые успешные и знаменитые галеристы не выдают своих секретов, но кое-что можно подсмотреть, подметить и вывести общие правила для «домашнего использования».

  • Фотовыставка

    Фотографии.
    Фотоработы «говорят» со зрителем на ином языке, не так, как живописные полотна. Как правило, рамки для фотографий либо максимально лаконичны, либо отсутствуют вовсе. Очень большие снимки не принято заключать в рамку.

    Исключение — фотопортреты крупным планом, но в таком случае их не вешают на стену, а располагают на столе. Для оформления современных интерьеров дизайнеры часто используют выразительные черно-белые фото.

  • Семейное древо

    Сюжетные фотографии, фотоколлажи, «семейное древо».
    В этих случаях рамка будет объединять и подчеркивать личный характер разнородных черно-белых и цветных фотографий.

  • Живопись.
    Существует правило: чем «легче» техника живописи, тем лаконичнее рамка. Акварель и пастель плохо смотрятся в тяжелом багете с позолотой, а масло и гуашь проигрывают в простой гладкой раме. Невесомые акварели и тонколинейную графику чаще всего помещают в белое или однотонное паспарту, в особенности, если картина маленького размера.

Исключение: по-настоящему редкие и ценные произведения искусства, роскошное обрамление которых подчеркивает их значимость.

  • Вышивка

    Вышивка.
    Маленькие вышитые композиции обычно помещают в деревянные рамки прямоугольной, реже круглой или овальной формы. Круглые рамки-рондо, повторяющее форму пялец для вышивания, отлично смотрятся на стене в любых комбинациях. Такую «выставку» можно постоянно дополнять, обновлять, менять местами объекты.


Исключение: вышивки-точные копии известных картин. В таком случае настоящая багетная рама будет вполне уместна.

  • Объемные поделки и композиции.
    Вязание, плетение, керамика, барельефы из теста или соли (обычно на фольклорные мотивы), камни, песок, пластик и металл – любая художественная композиция, выходящая за плоскость основы, требует массивной рамки.

    Объемная поделка в рамке

Рамка-ящик, рамка-поднос, и даже рамка-столик с высокими бортиками играют роль своеобразной «сцены», придавая композиции глубину и динамику.

Расположение и группировка

У галеристов существует жесткое правило: самое ценное (известное, уникальное, редкое) полотно располагается в центре экспозиции. Однако в домашней коллекции картин или фотографий сложно выделить «шедевр», сделав его центральным объектом выставки. Поэтому в центр лучше поместить либо самое крупное по площади произведение, либо самое яркое по краскам. Вообще, законы правильного экспонирования представляют собой не столько руководство к действию, сколько запреты. Вот, например, несколько таких типичных “не”:

  • Не располагать картины по размеру (от больших к маленьким или наоборот). Такой принцип обесценивает произведения, делая их обычным интерьерным декором.

  • Не размещать в одну линию горизонтальные картины. Лучше расположить такие объекты один над другим, своеобразными «столбцами». А между ними повесить узкую, вытянутую в высоту, картину.

  • Не вешать картины слишком высоко или слишком низко. Оптимальная высота расположения объекта определяется просто: нижний край картины (не рамы!) должен быть на 2-3 см ниже уровня глаз смотрящего.

  • Не применять «шпалерную» развеску (много картин, покрывающих всю стену) в маленьком помещении. Для шпалерной развески подходят только большие, хорошо освещенные выставочные залы.

  • Не смешивать различные изобразительные техники на одной стене. Например, вышивку и картины маслом, акварели и керамические барельефы, и т.п.

  • Не помещать все изображения в одинаковые рамы. Полностью идентичное оформление экспозиции отвлечет внимание от самих произведений, и также «обесценит» картины до уровня декора интерьера.

Впрочем, и эти запреты не всегда точно соблюдаются профессиональными устроителями выставок, поскольку искусство всегда оставляет простор для творчества. Главное – руководствоваться личным ощущением пространства, и больше доверять собственному художественному вкусу. Ну а если вы сомневаетесь, всегда можно сказать себе волшебную фразу: «Я – художник, я так вижу»!

Карина Свиридова, специально для «Светосила».

История арены Зенит - официальные данные
piterarena.com
Реклама на сайте

Омм мане падме хум, коли не шутишь.

Реклама на сайте статьи